Японские народные инструменты
Бива (яп. 琵琶) — национальный японский инструмент.
Термин бива объединяет ряд японских музыкальных инструментов лютневого семейства. В Японии издавна получили распространение (упоминаются в письменных источниках VIII века) две разновидности бива — гакубива и гогэнбива.
Гакубива — инструмент грушевидной формы с короткой шейкой, на которой расположены 4 лада, и отогнутой назад головкой, снабжённой четырьмя колками для настройки четырех струн из шёлка. Настройка согласуется с шестью ладо тональностями классической японской музыки гагаку. Длина — 122 см, ширина — 41 см. Звук извлекается при помощи плектра (18 см), для предохранения деки от ударов плектра поперёк её центральной части наклеивается широкая кожаная лента, обычно чёрного цвета.

В дальнейшем возник ряд новых разновидностей бива (сасабива, хэйкэбива, сацумабива), использующихся для аккомпанемента при пении буддийских притч и военных сказаний. В XIX веке появилась последняя разновидность этого типа инструментов — тикудзэнбива.

Японское 13-струнное кото
Классификация Струнный инструмент,Хордофон

Родственные инструменты Цитра, каягым,цисяньцинь

Ко́то (яп. 琴) или японская цитра — японский щипковый музыкальный инструмент. Кото наряду
с флейтами хаяси и сякухати, барабаном цудзуми и лютней сямисэном относится к традиционным музыкальным японским инструментам.
Сходные инструменты характерны для культуры Кореи (каягым) и Китая (цисяньцинь).
История кото как японского музыкального инструмента насчитывает более тысячи лет. Он был завезён в Японию из Китая в период Нара (710—793 гг. н. э.) в качестве инструмента для дворцового оркестра и использовался в музыке гагаку (雅楽). Своего расцвета кото достиг в эпоху Хэйан, как неизменный атрибут аристократического образования и времяпрепровождения. Одной из самых известных пьес написанных специально для кото является созданная в XVII веке слепым мастером Яцухаси Кэнгё композиция «Рокудан-но сирабэ» (яп. 六段の調べ, «Музыка шести ступеней»). На кото играют с помощью накладных ногтей-медиаторов (котодзумэ, яп. 琴爪), надевающихся на большой, указательный и средний пальцы правой руки. Лады и тональности настраиваются с помощью струнных подставок (мостов) непосредственно перед началом игры.
Игра на кото является одним из традиционных японских национальных видов искусства, получивших распространение, прежде всего, при императорском дворе. Однако и сегодня этот инструмент пользуется большой популярностью. Благодаря своей пластичности кото находит применение в современной японской музыке и способствует её развитию.
В настоящее время существует два основных типа инструмента:
Семиструнный «кин» длиной 1 м — используется как соло-инструмент;
и «со» — длиной от 1,80 до 2,00 м, с числом струн от 13 и выше — используется как оркестровый инструмент.

Двойной суйкинкуцу в крепости Ивасаки,Ниссин, Аити
Суйкинкуцу (яп. 水琴窟, буквально пещера водного кото) — музыкальное приспособление, используемое в японских садах.Суйкинкуцу состоит из перевернутого, зарытого в земле кувшина, над которым располагается лужица воды. Капли воды, постепенно проникая в кувшин через отверстия в донышке, издают приятные булькающиезвуки, которые формируют несложные мелодии. Звуки суйкинкуцу можно сравнить с колокольчиком или японской цитрой кото. Нередко суйкинкуцу оборудуют около японского рукомойника тёцубаси для мытья рук перед чайной церемонией.
Все компоненты суйкинкуцу должны быть настроены с высокой точностью и выполнены предельно аккуратно для получения хороших акустических характеристик. Исторически использовали кувшины для хранения риса или воды, керамические глазурованные либо неглазурованные. Позже стали использовать металлические кувшины, особенно в коммерческих суйкинкуцу. Более грубые керамические кувшины считаются лучшими. Высота кувшина — от 30 см до 1 м. Горлышко имеет диаметр около 2 см. Суйкинкуцу звенит подобно колокольчику, но если кувшин с трещиной, звук резко теряет качество. В позднее время появилось немало усовершенствований суйкинкуцу.
Современные суйкинкуцу не обязательно устанавливают около рукомойника тёцубаси.
Суйкинкуцу строят на непрерывном потоке воды.
В последнее время изготавливают суйкинкуцу с металлическими кувшинами.
Устройства, подобные суйкинкуцу, устанавливают в парках как часть скульптурных композиций.
Суйкинкуцу строят внутри жилых помещений
В ресторанах или магазинах коммерческие суйкинкуцу улучшают системой электронного усиления звука и воспроизводства через громкоговорители.
Добавляют трубы для переноса звука
Первоначально инструмент назывался тосуймон (洞水門), но он не использовался в японских садах. Рассказывают, что однажды для дренажа сада был использован кувшин с отверстием, и садовники, поразившись изящным звуком, стали оборудовать сады такими кувшинами. Популярность сайкинкуцу возросла в период Эдо (1603—1867), тогда был внедрён рукомойник тёцубати. Изобретателем суйкинкуцу считают также мастера чайных церемоний Кодори Энсю.
В позднее время искусство было забыто, и к 1959 в Японии смогли найти только два суйкинкуцу. В 1982 в газете Асахи Симбун было приведено подробное описание суйкинкуцу, а в 1985 центральный телеканал NHK организовал цикл передач, и суйкинкуцу снова обрело популярность.
Важной идеей суйкинкуцу является то, что инструмент скрыт и звуки возникают из-под-земли. Это поражает гостей, которые приходят мыть руки. Церемония мытья рук превращается в игру на скрытом музыкальном инструменте. Звук капающей воды воздействует успокаивающе и доставляет наслаждение.

Сякухати (яп. 尺八) — продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая в период Нара. Китайскую флейту «сяо» можно считать прародителем сякухати.
На сегодняшний день существует около двадцати разновидностей сякухати. Стандартная длина флейты — 1,8 сяку (что составляет 54,5 см). Это определило само японское название инструмента, так как «сяку» — единица длины, а «хати» — «восемь». Инструмент имеет особый, неповторимый звук, который может в значительной степени меняться по желанию играющего мелодию. Это свойство использовалось мастерами дзэн для исполнения медитативных мелодий (практика суйдзэн). Кроме того, флейта имела распространение среди крестьян, так как была простым в изготовлении инструментом и подходила для исполнения народных мелодий.
По конструкции и звукоизвлечению сякухати аналогична андской кене: для извлечения звука музыкант приставляет верхний конец флейты к нижней губе и направляет поток воздуха на клин (утагути).
В настоящее время можно выделить несколько основных школ (течений) сякухати
1.Тодзан (яп. 都山流 то:дзанрю:?)), основанная Накао Тодзаном (1876—1956), на данный момент самая многочисленная школа Японии
2.Кинко (яп. 琴古流 кинкорю:?), названная в честь основателя Кинко Куросавы (яп. 黒沢琴古 куросава кинко?) (1710—1771). На данный момент как таковой школы кинко нет, есть течение.
3.Мёан (яп. 明暗流 мё:анрю:?), связанная с храмом Мёандзи в городе Киото. Образовалась немедленно после разгона секты Фукэ в целях продолжения традиции хонкёку. Её основателем считается Синрю Одзаки (1820—1888).
4.Кётаку, школа основанная Коку Нисимуры, монахом комусо, жившим в прошлом веке. В школе изучают музыку для медитации (хонкёку) на разновидности флейты сякухти — «ктаку». Сам мастер Коку Нисимура ввел этот термин для своих флейт, которые отличаются от сякухати длинной и конструкцией внутреннего канала.
5. Дзэнсабо, школа основанная мастером Ацуя Окуда. Мастер занимается не только игрой на флейте, но и сбором бамбука, уделяя этому особое внимание в своей школе.
6. Докёку или «Путь Ватадзуми» — школа основанная Ватадзуми Досо. Мастер Ватадзуми так же известен созданием термина «хотику» — так он стал называть сякухати больших размеров
Есть несколько версий появления сякухати. Одна из них предполагает, что сякухати прошла долгий путь из Египта в Индию, затем в Китай, а потом в Японию. Возможно, одним из прародителей сякухати могла стать китайская флейта сяо]. Однако учитывая то обстоятельство, что истинное происхождение флейты на данный момент установить довольно сложно из-за сокрытия этой тайны сектой Фукэ (секта монахов комусо, школы Риндзай), стоит отметить здесь легенду, которой придерживалась секта Фукэ от момента своего создания в 1600-х годах, до закрытия во время реставрации Мэйдзи.

Химэдзи осиро мацури
Согласно этой легенде, в Китае, во времена династии Тан в в IX веке жил человек, которого звали Фукэ. Он странствовал по стране и звонил в колокольчик, призывая окружающих к просветлению. И один человек увидел в Фукэ учителя. Он сделал флейту из бамбука и стал подражать звуку его колокольчика. Так появилась на свет первая пьеса для сякухати — кёрэй. А флейта была названа кётаку, что в переводе с японского — поддельный колокольчик.
В то время флейта сильно отличалась от той сякухати, которую мы знаем сегодня. Она была сделана из верхних колен бамбука, была тонкостенная и короткой — не более трех колен (в то время как современная сякухати делается из семи колен прикорневого бамбука). Те, кто проповедовал учение Фукэ до 1600-х годов использовали эту флейту для своих духовных практик. Они называли себя «комосо» (яп.薦僧 комосо:?), что в переводе с японского означает «монах соломенной циновки». Это были нищие странствующие монахи, которые бродили по Японии, собирая подаяние. Важной особенностью являлось то, что в ряды комосо могли вступить выходцы из совершенно любых сословий.
В 1600-х годах приказом японского правительства была организованна секта Фукэ. Секта монахов комусо (яп. 虚無僧 комусо:?), что в буквальном переводе означает «монах небытия и пустоты». В ряды комусо могли вступать только представители высшего сословия — самураи. Согласно традиции,самурай, который хотел уйти от мирских дел, мог прийти в храм, отдать свой меч и получить взамен флейту и приступить к духовной практике. Так же были строго регламентированы правила поведения и одежда. День комусо был расписан по часам.

Сямисэ́н (яп. 三味線?, атэдзи; иероглифы означают «три оттенка струн»), также сангэн; устар. сямизен, сямисен), — японский щипковый трёхструнный музыкальный инструмент. Ближайший европейский аналог сямисэна — лютня. Сямисэн наряду с флейтами хаяси и сякухати, барабаном цудзуми и цитрой кото относится к традиционным музыкальным японским инструментам.
Сямисэн появился в Японии примерно в XV-XVI веках. Предшественник сямисэна — сансин(яп. 三線), на котором играли в королевстве Рюкю, в то время ставшем префектурой. Сансин, в свою очередь, происходит от китайского инструмента саньсянь, произошедшего из центрально азиатских инструментов.
В отличие от Европы, где традиционные старинные инструменты не пользуются большим вниманием, сямисэн и другие национальные инструменты в Японии широко известны и любимы. Популярность обусловлена не только уважением японцев к своей культуре и истории, но и использованием национальных инструментов, в частности — сямисэна, в традиционном японском театре — прежде всего в театре кабуки и бунраку.
Сямисэн также был важнейшим инструментом для странствующих слепых музыканток годзэ, которые появились в начале правления сёгуната Токугава.
Существуют несколько разновидностей инструмента которые отличаются друг от друга толщиной грифа. Инструменты с узким грифом называются хосодзао (яп. 細棹?) и используется, в основном, в музыке нагаута (яп. 長唄?). Инструмент с грифом средней толщины называется тюдзао (яп. 中棹 тю:дзао?) и используется в таких музыкальных жанрах как киёмото (яп. 清元?), токивадзу (яп. 常磐津?), дзиута (яп. 地唄?) и так далее. На севере Японии, особенно в районе Цугару (западная часть префектуры Аомори) используется отдельная разновидность сямисэна с толстым грифом цугару-дзямисэн (яп. 津軽三味線?), игра на котором требует особой виртуозности. Цугару-дзямисэн с самым толстым грифом называется футодзао (яп. 太棹?) и используется в театре марионеток дзёрури.
Изготовляется сямисэн из дерева твёрдых пород (красное дерево используется для изготовления дорогих инструментов). Корпус обтягивается кошачьей (у цугарудзямисэн — собачьей) кожей. Играют на сямисэне большим плектром «бати», который изготовляется из дерева, слоновой кости, панциря черепахи, буйволиного рога, пластика. Бати для нагаута и дзиута - почти правильные треугольники, с очень острыми краями. Цугарудзямисэн предполагает меньший по размерам плектр, более напоминающий лист дерева гинкго. Струны изготавливаются из шёлка, нейлона и тетлона.
Обучение игре на сямисэне в стиле коута (小唄) «короткая песня» входит в программу обучения майко — будущих гейш. Название контрастирует с жанром музыки для бунраку и кабуки — нагаута (長唄) (длинная песня).
Самый известный и самый сложный из стилей исполнения — гидаю, названный в честь Такэмото Гидаю (1651—1714), деятеля кукольного театра бунраку из Осаки. Инструмент и плектр гидаю самые большие, а сам гидаю является одновременно и певцом и комментатором происходящего на сцене. Работа сказителя настолько сложна, что в середине представления гидаю сменяется. С XIX века появились и онна-гидаю, женщины-сказительницы.
Сямисэн из-за специфического звучания часто используется для усиления «национального» звучания в некоторых японских фильмах и аниме (примерно как в России балалайка). Так, сямисэн звучит в звуковом сопровождении аниме-сериала Naruto, Puni Puni Poemi. Агацума Хиромицу играет в стиле New Age. Его используют представители европейского музыкального авангарда (например, Анри Пуссёр). Довольно популярны композиции в исполнении Братьев Ёсида, сямисэн у них звучит как электрогитара.
Митиро Сато исполняет на сямисэне импровизации, а джазовый пианист Гленн Хориути вставлял в свои композиции фрагменты игры на сямисэне. Гитарист Кевин Кметц возглавляет калифорнийскую группу «Бог сямисэна», в которой играет на цугару-дзямисэне. Братья Ёсида исполняют музыку в традиционном для севера Японии стиле цугару-дзямисэн с добавлением барабанов и синтезаторов.

Тайко — семейство барабанов, используемых в Японии. Тайко (яп. 太鼓?) обозначает «большой барабан».
Вероятнее всего, эти барабаны были завезены из Китая или Кореи между III и IX веками, а после IX века изготавливались местными мастерами. Их использовали в синтоизме, при поклонении богу ветра Сусаноо. Они используются и по сегодняшний день как в народной, так и в классической музыке.
Барабаны Японии носят общее название тайко, по конструкции они делятся на две большие группы: бë-дайко (яп. 鋲太鼓 бё:дайко?), у которого мембрана жёстко закреплена гвоздями без возможности настройки, и симэ-дайко (яп. 締め太鼓?), которые можно настроить при помощи шнуров или винтов. Корпус барабана выдалбливают из цельного куска твёрдой древесины. На тайко играют палочками под названием бати (яп. 撥?).
К бё-дайко относятся о-дайко (яп. 大太鼓 о:дайко?) и ко-дайко (яп. 鋲太鼓?). С помощью шнуров настраиваются да-дайко, ни-дайко, какко, ута-дайко и цудзуми.
Под тем же названием известны музыкальные ансамбли барабанщиков, являющиеся национальным символом Японии. Особо популярны они стали в 1970е годы, когда группы барабанщиков стали выступать на площадках вне Японии. Они выражали дух самураев: дисциплину, высокую физическую и нравственную подготовку, координацию группы и перфекционизм.
В отличие от западных практик, визуальная часть представления тайко не менее важна, чем акустическое воздействие. Движения ката составляют неотделимую часть игры на тайко и исходят из обычаев придворных представлений. Ката связывает барабан и барабанщика, создаёт родство между исполнителем и инструментом.
Тэмпл-блок (корейские колокола) — ударный музыкальный инструмент, идиофон. Используется в ритуалах Китая, Японии, Кореи, атрибут буддийского культа.
Инструмент размером 10-16 см, округлой, слегка вытянутой формы. Внутри полый, с глубоким разрезом.
На нём играют различными палочками или молоточками, обычно используют набор из 4-5 инструментов, подобранных по звуку и укреплённых на ободе барабана или другом держателе. Звук цокающий, более «тёмный» и глубокий, по сравнению с вуд-блоком.
Среди современных музыкантов, этот инструмент использовал Нил Пирт из группы Rush, в проигрыше песни The trees с альбома Hemispheres и во вступлении к Xanadu с альбома A Farewell To Kings. Также этот инструмент использовался современным композитором, лидером алеаторики и электронной музыки Карлхайнцем Штокхаузеном в произведениях «Контакты», «Спираль» и «Группы». Также он слышен в опере «Вторник» оперного цикла «Свет».

Фуэ (яп. 笛?, дословно, «флейта, дудка, свисток») — семейство японских флейт. Фуэ обычно обладают высоким звучанием и изготавливаются из бамбука
Самая популярная фуэ — сякухати.
При исполнении музыки на фуэ отверстия в флейте закрывают не подушечками пальцев, а фалангами.
Предок фуэ — китайская свирель «пайсяо» В V веке флейты появились в Японии
распространились в период Нара.
Комусо секты Фукэ вскоре стали использовать фуэ для «медитации дуновением». Современные фуэ могут быть как солирующим, так и оркестровым инструментом.
Фуэ делятся на две большие группы — поперечные и продольные
В поперечных отверстие для губ находится сбоку, а на продольных — на конце
Синобуэ
Синобуэ (яп. 篠笛?, флейта из сазы), также такэбуэ (яп. 竹笛?, бамбуковая флейта) — продольная флейта с высоким тембром. Используется в японском оркестре хаяси (яп. 囃子?) и при исполнении нагаута. Сякухати — важный инструмент в музыкальном сопровождении постановок Но и Кабуки. На сякухати исполняют синтоистскую музыку кагура и просто народные песни. Существует два стиля исполнения: ута (яп. 歌?, песенный) и хаяси (яп. 囃子?, фестивальный). Флейта для исполнения в стиле ута настраивается на западную нотную шкалу и может играть соло. Хаяси-синобуэ не настраивается, производит высокий немелодичный звук.

Хоттику

Необработанное отверстие для губ
Хоттику (яп. 法竹?, буквально «бамбук дхармы») — фуэ из бамбукового корня. После обработки на толстом конце прикорневого стебля остаются кольца. Та же часть бамбука используется для производства сякухати, но хоттику не лакируется, и отверстие для губ остаётся необработанным. Хоттику иногда называют «дзинаси нобэкан», «без дзи (яп. 磁?, особая паста из глины и лака), в одну трубку (в отличие от сякухати, хоттику цельная)».
У хоттику четыре отверстия для пальцев сверху и одно снизу (для большого пальца). Диапазон звучания составляет как минимум две октавы. Хоттику может быть любой длины, чем длиннее инструмент — тем ниже у него тембр. Обычно (не всегда) хоттику длиннее сякухати и почти всегда толще и длиннее.
Техника игры на хоттику аналогична игре на сякухати, хотя звук хоттику не такой чистый и ровный. Угол утагути (яп. 歌口?, дословно «отверстие для пения»), то есть, отверстия для губ, у хоттику ближе к 90°, но выбор угла зависит также от размера бамбука. Угол утагути и отсутствие лака придают звуку хоттику грубый и придыхательный тембр. Хоттику используется в суйдзэн, «медитации дуновением». Играть в жанре хонкёку (яп. 本曲?), изобретённом последователями секты Фукэ, может лишь исполнитель высокого уровня мастерства. Так как хоттику не настраивается, обычно она выступает соло.

Хитирики (яп. 篳篥) — традиционный старинный (VIII в.) японский инструмент, из группы гобоев, широко представленный в классической японской музыке. Несмотря на свою миниатюрность, хитирики воспроизводит насыщенный и громкий звук.
1. Строение: Двойная трость и корпус цилиндрической формы с отверстиями, его звук подобен кларнету.
2. Семейство: Духовые
3. Диапазон: одна октава.
4. Тембр: довольно резкий, пронзительный, несколько «плачущий».
5. Материал: бамбук.
6. Происхождение: хитирики происходит от китайского гуань (били), и также связан с корейским пири.

Рютэки
Рютэки (яп. 龍笛 рю:тэки?, «драконовая флейта») — бамбуковая японская поперечная флейта длиной около 40 см и диаметром 1,3 см, с семью отверстиями. Используется в гагаку. Звучание рютэки изображает драконов, летающих в небесном свете (его изображает сё), за которыми наблюдают люди (хитирики). Рютэки — одна из трёх флейт, на которых играют гагаку. Тембр рютэки ниже, чем у комабуэ, но выше, чем у кагурабуэ. В XX веке рютэки, как и сямисэн, стали использовать в современной музыке.
Рютэки при исполнении держат горизонтально.

Лакированный нокан
Нокан (яп. 能管 но:кан?, дословно «трубка театра Но») — японская поперечная флейта, использующаяся для аккомпанирования представлениям театров Но и Кабуки. Её создали актёр театра Но Канъами Киёцугу (яп. 観阿弥 清次?) и сын Канъами, Дзэами Мотокиё (яп. 世阿弥 元清?) в XV веке, когда они реформировали Но, введя в него традиционные танцы дэнгаку (яп. 田楽?, «музыка рисового поля») и саругаку (яп. 猿楽?, «обезьянья музыка»).
Для изготовления нокан используются склеенные и перевязанные вишнёвой корой щепки копчёного бамбука сусудакэ (яп. 煤竹?). При этом поверхность бамбукового ствола оказывается внутри, что улучшает звук. Длина нокана около 39,1 см, средняя ширина — 1,7 см. В нокане просверливается 7 отверстий для пальцев.
В нокане имеется «горло» (яп. 喉 нодо?), отверстие шириной 2–3 мм. Благодаря нодо, нокан может издавать фальцетный звук (эффект Вентури). Также конструкция предусматривает помещение в особое отверстие овального свинцового мундштука, обёрнутого бумагой.
Диапазон нокана — больше двух октав. Высота звука меняется от флейты к флейте, так как ноканы изготавливаются вручную.
Самая длинная из фуэ, около 45,5 см длиной. Используется в жанре микагура.

Цудзуми (яп. 鼓?) — японский малый барабан китайско-индийского происхождения, относится к семейству симэ-дайко (яп. 締め太鼓?), барабанов, настраиваемых шнурами. Его корпус делают в виде песочных часов с двумя мембранами, через обод от одной мембраны к другой пропускают шнуры, которыми можно регулировать её натяжение. Музыкант может менять высоту звука прямо во время представления.
За инструментом сложно ухаживать, так как он производит лучший звук при увлажнении. Перед выступлением музыкант должен подышать на мембрану или даже смазать её слюной.
Цудзуми используется для аккомпанирования музыке в Но и Кабуки, в народных песнях минъё (яп. 民謡?). Часто цудзуми сопровождает оцудзуми (яп. 大鼓 о:цудзуми?, большой цудзуми), тогда обычный цудзуми называют коцудзуми (яп. 小鼓?, малый цудзуми), или окава (яп. 大革 о:кава?, «большая кожа»).

"Поющие чаши"
Поющие чаши (известны также как гималайские чаши, тибетские чаши; в Японии их называют рин (яп. 鈴) или судзу (яп. 鈴) — разновидность колокола как музыкального инструмента. Поющие чаши — стационарный инструмент, в отличие от обычных колоколов они не подвешиваются и не крепятся на ручке. Звук рождается от вибрации стенок чаши и её края. Поющие чаши — древний музыкальный инструмент, использовавшийся по всей Азии как часть религиозных традиций бон и тантрического буддизма. В наши дни, кроме традиционного религиозного применения, поющие чаши используются повсеместно как инструмент для медитаций, релаксации, различных медицинских практик, связанных с биоритмами, в йоге[источник не указан .
Исторически поющие чаши делались в Тибете, Непале, Индии, Бутане, Китае, Японии и Корее. В последнее время основное производство находится в Гималайском регионе и чаще всего выпускается под названием «тибетские поющие чаши».
Происхождение, история и использование
В буддийской практике поющие чаши используются как вспомогательный инструмент для медитаций, молитв и погружения в транс. Китайские буддисты, к примеру, используют чаши вместе с моктаком (разновидность деревянной коробочки) во время песнопений, ударяя в чашу в момент пения определённой фразы в сутре, мантре или гимне. В Японии и Вьетнаме кроме этого при помощи чаш отмеряют время в процессе молитвы или сигнализируют перемену деятельности. Письменных источников описывающих использование чаш в древности до сих пор не найдено, однако существует немало изображений и скульптур в которых фигурирует этот музыкальный инструмент. В частных коллекциях встречаются чаши X—XII веков, однако первые чаши могли появится гораздо раньше — бронзовые колокола в Азии, например, начали производить приблизительно в IX веке до н. э. Игра на поющих чашах представляет собой неторопливое вождение деревянного или иногда пластикового песта (стика) по краям чаши, в результате трения рождается продолжительный, «поющий» звук, наполненный обертонами пример (инф.) От качества изготовления чаши напрямую зависит «наполненность» звука гармоническими обертонами. Варьируя силу нажатия стика на края чаши или вес стика, можно получить разные тональности. Второй вариант игры на поющих чашах — несильный удар обёрнутого замшей стика, рождающий тёплый звук, похожий на звон колокольчика.
Древние поющие чаши
Традиционно, древние поющие чаши делались из сплава пяти металлов, известного в индуизме как панчалоха  и имеющего сакральное значение для стран Гималаев. Основой была медь, с добавлением олова, цинка, железа и других металлов, чаще всего золота, серебра или никеля. Фактически получалась литая бронза или латунь, облагороженная драгоценным металлом. Однако по мнению некоторых коллекционеров такой унитарности не наблюдалось, и чаши делались из самых разнообразных сплавов, от 3 до 12 различных металлов Уникальность древних поющих чаш состоит в том, что одновременно звучат несколько гармонических обертонов. Это связано с тем, что чаши делаются из сплава нескольких металлов, каждый из которых звучит на собственной «волне». Несмотря на то, что традиционные техники изготовления поющих чаш считаются утерянными, из разных уголков Непала всё ещё поставляются чаши сделанные традиционной ручной ковкой. Правда качество сплава заметно хуже чем у древних чаш, да и считается что сам процесс старения облагораживает звук, делает его более тёплым и мягким.
Древние поющие чаши нередко украшались абстрактными узорами, орнаментами, как по краю чаши так и на её дне.
Как и любой антиквариат, древние поющие чаши являются предметом коллекционирования, однако ценность им придаёт не только их возраст, но и музыкальные качества.
В наши дни производство поющих чаш находится на подъёме и качество их растёт[источник не указан 676 дней]. В связи с тем, что поющие чаши всё чаще покупают как сувениры, их стали украшать популярными религиозными символами и различными спиритуальными мотивами. Классикой являются буддийские мантры, такие как Ом мани падме хум, индуистская Аштамангала и изображения Будды.
Современные поющие чаши делаются из бронзы, но без добавления редких и драгоценных металлов, что сказывается на звучании. Самыми распространёнными являются чаши из Непала и севера Индии, однако Япония с Кореей тоже производят чаши высокого качества, правда они меньше направлены на экспорт.
В отличие от чаш ручной работы, которые ещё могут тягаться с древними образцами, поющие чаши, сделанные машинным способом, имеют довольно плохие музыкальные показатели, всё их звучание ограничивается двумя гармоническими обертонами, что слишком мало для требовательных музыкантов. Основное распространение поющие чаши получили в этнической музыке и музыке нью-эйдж, во многом благодаря этим стилям они и стали популярны[источник не указан 676 дней]. Теперь же чаши стали использоваться в самых разных стилях, от эмбиента до нео-классики и рок-музыки.

Монстро карты
В начале 1970-х гг. корпорация «Kewpie» (производитель одноименной марки майонеза) выпустила рекламную колоду игральных карт с различными монстрами, взятыми из популярных фильмов и телешоу.

1. Кюрадоросу (Kyuradorosu). Вампир. Рост: 5 м. Вес: 800 кг. Из префектуры Тиба
2. Касуасу (Kashuasu). Загрязняет окружающую среду. Рост: 10 м. Вес: 3000 т. Из Осаки

3. Гохохо (Gohoho). Ледяной монстр. 18 м / 10000 т / Перебрался в Токио с Южного полюса
4. Альтамэгаро (Altamegaro). Космический монстр. Рост 35 м, вес неизвестен. С пятой планеты Альта В.

5. Дэрэдорон (Deredoron). Распространитель пестицидов. 20 м / 10000 т / Тохоку
6. Тапикуросаурус (Tapikurosaurus). Древний монстр. 35 м / 9000 т / Кюсю

7. Элэкипуросу (Elekipurosu). Электрический человекообразный монстр. 25м / 15000 т / Дамба Куробэ
8. Мэдзи (Meji). Космический волк. 16 м / 5 т / Метеороид R

9. Эру (Eru). Космический монстр. 32 м / 18000 т / Планета Пегас
10. Пурадон (Puradon). Космический монстр. 32 м / 5000 т / Восьмая планета Галактики W

В. Мамба (Mambaa). Рыба-монстр. 20 м / 15000 т / Глубины Арктики
Д. Оапиа (Oapiaa). «Прото-сахарец». 6 м / 1 т / Пустыня Сахара

К. Пришелец Атиира (Achiira). Космический монстр. 15 м / 9 т / Перебрался в Японские Альпы с планеты Атиира
1. Метанорон (Methanoron). Загрязняет окружающую среду. 28 м / 30000 т / Район Токио-Кавасаки-Иокогама

2. Буранпиита (Buranpiitaa). Сверхскоростной монстр. 25 м / 5000 т / Планета Нарцисс
3. Ауророрас (Aurororas). Монстр с Южного полюса. 85 м / 80000 т / Южный полюс

4. Андромеропиус (Andromeropius). Космический монстр. 60 м / 10000 т / Планета Спарта
5. Пэрогга (Peroggaa). Липкий монстр. 30 м / 30000 т / Комета Игл

6. Горобоасу (Goroboasu). Макромонстр. 108 м / 180000 т / Нью-Йорк
7. Вакуума (Vacuuma). Вакуумный монстр. 25 м / 6000 т / Юмэносима

8. Мэтрокабаян (Metrokabayan). Космический угорь. 46 м / 40000 т / Происхождение неизвестно
9. Тибэтрон (Tibetron). Гималайский монстр. 5 м / 10000 т / Север Гималайев

10. Ааму (Aamu). Радиоволновый монстр. 60 м / 80000 т / Перебрался в Сидзуоку с Гуама
В. Дзирадон (Jiradon). Дракон. 15 м / 40 т / С северных Альп

Д. Киму (Kimu). Космический монстр. 30 м / 20000 т / Метановая туманность
К. Пришелец Картер (Carter). 28 м / 7000 т / Туманность Картера

1. Оксидрон (Oxydron). Загрязняет окружающую среду. 35 м / 10000 т / Пригороды Токио
2. Хитер (Heater). Монстр-нагреватель. 30 м / 10000 т / Хокурику (северо-запад Хонсю)

3. Дзенессе (Jeunesse). Сверхскоростной монстр. 105 м / 100000 т / Звёздное скопление M18
4. Спейтер (Spater). Космический монстр. 12 м / 2000 т / Туманность Юпитера

5. Бэговиа (Begovia). Космический монстр. 70 м / 30000 т / Откуда-то из космоса
6. Орих (Orix). Метеорный монстр. 3 м / 300 кг / Ориониды

7. Кабисанта (Kabisantaa). Бактериальный монстр. 20 м / 7000 т / Центральный Китай
8. Пэсура (Peshura). Космический монстр. 40 м / 20000 т / Планета Корона

9. Тиипа (Chiipaa). Невидимый монстр. 23 м / 4 т / Европа
10. В (H). Водородный монстр. 1000 м / 500 кг / Египет

В. Рару (Raru). Монструозный жук. 19 м / 600 кг / Тропики
Д. Мэромэрон (Meromeron). 23 м / 30000 т / Комета Мерон

К. Пришелец Моррис. 20 м / 10000 т / Метеороид Моррис
1. Смоггер (Smogger). Загрязняет окружающую среду. 45 м / 20000 т / Район Канто

2. Урадон (Uradon). Ядерный монстр. 40 м / 30000 т / Перебрался в Осаку из глубин океана
3. Компутрон (Computron). Механический монстр. 35 м / 8000 т / Токио

4. Гурора (Gurora). Космический монстр. 95 м / 120000 т / Перебрался в район Токио с планеты Бета
5. Пэрэбон (Perebon). 25 м / 40000 т / Сатурн

6. Мэнакудзира (Menakujira). Мягкотелый монстр. 40 м / 40000 т / Окутама
7. Пла-кинг (Pla-king). Пластиковый человек. 20 м / 5 т / Префектура Канагава

8. Окусу (Okusu). Космическая горилла. 30 м / 30000 т / Планета Клод
9. Бэтарасу (Betarasu). 7 м / Менее 1 кг / Пятое измерение

10. Бурубуру (Buruburu). Обезьяна-монстр. 45 м / 6 т / Южные склоны Килиманджаро
В. Гламинго (Glamingo). Птица-монстр. 3 м / 400 кг / Перебрался на Хоккайдо с севера Аляски

Д. Пира (Pira). Солнечный монстр. 13 м / 300 кг / Окрестности солнца
К. Железный пришелец. 40 м / 20000 т / Планета Сигма

Джокеры

Японские новогодние подарки, сувениры, талисманы

Когда в храмах идёт ночная служба, монахи раздают прихожанам сладкое новогоднее 甘酒 (あまざけ, амазакэ). На площади подле главного здания горят в костре деревянные стрелы-амулеты 破魔弓 (はまゆみ, хамаюми, затупленные стрелы, с белым оперением, оберегающие дом от бед и злых сил), унося с собой в небытие все печали и неудачи года прошлого. Так, бросив в огонь провисевшую целый год в “красном углу” дома стрелу, здесь же можно купить новую, подставить прикреплённую к ней дощечку с изображением храма ко лбу, а пустой стороной наружу и получить своеобразное благословение монаха в виде большого во весь размер дощечки факсимиле храма. Новый год – новая стрела – новые надежды!

В храмовых лавках можно приобрести различные новогодние сувениры и талисманы: хамаюми; 熊手 (くまで, кумадэ) – похожие на “медвежью лапу” грабли из бамбука, которыми очень удобно “загребать” счастье; 宝船 (たからぶね, такарабунэ) – кораблики с рисом и другими сокровищами, на которых восседают семь богов удачи. Считается, что если положить такой кораблик под подушку в новогоднюю ночь, обязательно приснится вещий сон.

На новый год с пожеланиями стойкости японцы дарят друг другу  達磨 (だるま, даруму) – японскую неваляшку. Чем взрослее человек, тем крупнее дарума. Вместо глаз у куклы – пустые глазницы. Одаренный сам рисует око, загадывая при этом желание. Второй глаз “открывается”, когда задуманное сбывается. Ну а если мечта так и остается мечтой, быть даруме одноглазой.

В Японии долгое время не было традиции праздновать день рождения. Поэтому последний удар “добавлял” единицу сразу ко всем возрастам, даже младенца, родившегося накануне, считали годовалым. Утром люди начинают обмениваться подарками – сушеной рыбой, завернутой в красочную обертку, веерами. Родители часто дарят детям 御年玉 (おとしだま, отосидама, “новогоднее сокровище”) – монетку (любого достоинства), положенную в специальную бумагу и сложенную в конвертик. Этот подарок служит символическим пожеланием богатства и благополучия детям. Люди поздравляют друг друга, а вечером собираются у домашнего очага, в кругу семьи.
Японские новогодние религиозные церемонии

В новогоднюю ночь в японских храмах колокола отбивают 108 ударов. Цифра 108 выбрана не случайно. Считается, что у человека 6 пороков: жадность, злость, глупость, легкомыслие, нерешительность и алчность. Каждый из них имеет восемнадцать различных оттенков – 108 пагубных страстей. Японцы считают, что каждый из этих ударов изгоняет одну из страстей, омрачающих жизнь человека.

Очищаясь таким образом, японцы встречают свой общий новый год рождения. Каждый японец может поздравить любого с днем рождения и в ответ услышать такое же поздравление. Когда пробъет последний удар – люди выходят на улицу, чтобы встретить новый год с первыми лучами солнца. Многие верят, что именно в эти минуты в Японию приплывают на своем волшебном корабле семь богов счастья. Двое из них непосредственно связаны с двумя главными продуктами питания японцев. Это 恵比寿 (えびす, Эбису) – бог рыболовства и 大黒 (だいこく, Дайкоку) – бог риса. Каждый бог символизирует одно из хороших качеств: Дайкоку – удачливость, Эбису – искренность, Бэнтон – дружелюбие, Бисямон-тэн – достоинство, Дзюродзин – долголетие, Хотэй – великодушие, Фукурокудзю – благожелательность.

В новогоднюю ночь или утром 元日 (がんじつ, гандзицу) Первого дня Нового года каждый японец обязан посетить святилище или храм, прийти на первое в новом году моление, что считается счастливым началом нового года. Этот обряд называется хацумодэ. В храм принято ходить в традиционной одежде – женщины одевают 着物 (きもの, кимоно), а мужчины также 袴 (はかま, хакама) и 羽織 (はおり, хаори).

В крупных буддистских храмах в последнюю ночь года к большому колоколу, ударить по которому можно, раскачивая подвешенную на канатах огромную деревянную палицу, выстраивается очередь любителей встречи Нового года в пристанище Богов. Негласно каждому даётся лишь одна попытка. Не дотянул до вибрирующей поверхности чугуна, уступи место и приходи через год. Так, до самого рассвета стоит не утихающий глухой набат, возвещающий по окрестностям о наступлении очередного года очередной эры правления очередного императора.
Японские новогодние украшения для дома

13-го декабря по традиции проводится сусубараи – генеральная уборка дома, дабы очистить его от нечистот и скверны к приходу духов предков, в новогоднюю ночь, ведь счастье и удача нового года входят только в чистый дом. Параллельно, во всех синтоистских храмах проводятся обряды Великого очищения, предназначенные для очищения людей и прибавления удачи в наступающем году.

После уборки, хозяева дома над входом натягивают веревку из рисовой соломы 注連飾り (しめかざり, симэкадзари, “закрывающее украшение”), которой с мифологических времен приписывают роль оберега от темных и нечистых сил. К воротам привязывают сосновые ветви, иногда дополненные длинными соломинками, папоротником, бамбуком, сливой, 語弊 (ごへい, гохэями, особым образом сложенными полосками белой бумаги).

Эта разновидность домашних оберегов называется вакадзари. Они могут варьироваться, но основу их всегда составляет кружок из нескольких рисовых соломинок. Вакадзари посвящаются различным божествам, охраняющим дом и людей, живущих в нем.

Можно встретить также и 門松 (かどまつ, кадомацу, “сосна у входа”) – приветствие божеству новогоднего праздника – большие композиции из косо срезанных стволов бамбука, украшенные сосновыми ветками, мелкими красными ягодами, веткой папоротника, мандаринами, иногда – пучком водорослей и сушеной креветкой. Так же можно встретить карликовую сосну, росток бамбука, и маленькое цветущее деревце сливы или персика. Такую роскошь обычно позволяют себе состоятельные люди, а также различные учреждения и фирмы.

Все составляющие новогодних украшений что либо символизируют. Бамбук – стойкость, сосна – долголение, слива – жизнелюбие, рисовая солома – достаток, благоденствие.

В домах ставят ветки, украшенные шариками 餅 (もち, моти) – новогоднее деревце мотибана.

Японский новогодний этикет

Рождественские елки в Японии устанавливаются с начала ноября. Повсюду гирлянды, играет праздничная музыка, магазины завалены подарками и подарочными наборами. Как готовятся к встрече Нового года в Японии и как отмечают:

Забыть год

У японцев принято провожать уходящий год. Называется эта традиция «bounenkai или 忘年会». Первый иероглиф означает «забывать», второй и третий – что-то вроде «годового собрания». То есть японцы провожают старый год, стремясь утопить в пиве и саке все неприятное, что за год случилось. На таких встречах много пьют, едят деликатесы японской кухни: сябу-сябу, сасими из дорогих сортов рыбы.

Подарки

Этикет японцев строго регламентирует новогоднюю суету: на какую сумму кому и что дарить, как оформлять новогодние открытки и многое другое. Например, у японцев регламентировано, сколько должен стоить подарок. Самую крупную сумму – 5000 иен (около 60 долларов) обычно тратят на сослуживца или партнера по бизнесу; за 3000 иен (36 долларов) покупают подарок членам семьи, друзьям и приятелям; учителю каллиграфии подарят вещицу за 2000 иен (около 24 долларов). Что же дарят на эти деньги? Тут, опять же, традиция бережет японцев от бессмысленного метания между фаянсовыми расписными гусями, хрустальными вазами и парфюмерно-гигиеническими наборами с оптовой базы. В качестве традиционного подарка можно вручить кусок мяса – только хорошего или деликатесный десерт. В ходу также набор мыла или премиальных соков, соусов, джемов. Прекрасный выбор – ликеры из сливы или цитрусовых. В руководствах по этикету пишется, что подарок должен демонстрировать главное – что вы подумали лично о том, кому его дарите. То есть проявили заботу, внимание.

Также в качестве знака внимания у японцев принято дарить открытки. В магазинах рядом с открытками продают кисти и чернила. Это не случайно – подписывать открытки у японцев полагается каллиграфически.

Рождественский торт

Это обязательный атрибут праздничного стола в Стране восходящего солнца. Традиционный торт – это бисквит, взбитые сливки и клубника. В декабре в Японии наступает клубничный сезон, она продается в каждом магазине, рядом обязательно лежат баллоны со сливками, также сгущенка в тюбиках, а для торта – готовые бисквитные коржи в упаковке. Можно не делать самому, а заказать торт – в любом комбини, торговом центре или в дорогом универмаге. Вид и качество торта будут зависеть от цены.

Цитрусы

Япония очень похожа на Россию зимними мандаринами. Правда, там они не привозные, а растут повсюду. Стоят мандарины в Японии по 4-5 долларов за 1-1,2 кг.

Чуть позднее начинается сезон декопонов. Этот фрукт представляет собой нечто среднее между апельсином и мандарином. Декопоны крупнее мандаринов, душистее апельсинов, с характерной выпуклой «попкой».

Осечи

Наступление Нового года японцы празднуют скромно и в кругу семьи. В первый день нового года они ничего не готовят, не потому что не могут по состоянию здоровья, а просто традиция такая. В это время японцы едят набор холодных закусок – осечи. Это глубоко символический комплект деталей, каждая из которых, будь то креветка или черный соевый боб, несут в себе смысл. Осечи должно быть уложено особым образом. В осечи возможны варианты, но есть непреложные составляющие: черные соевые бобы, омар или креветки, камабоко, водоросли комбу, селедочная икра и т.д.

Японские фонарики (伝統的な照明器具) - являются традиционным осветительным оборудованием в Японии. Они включают в себя разновидности : Андон, Бонбори, Тётин и Торо. Каждый тип фонаря обладает особым свойством освещения. Их могут использовать для освещения буддийских храмов, святилищ, японских садов и парков. В «Энциклопедии Японии» издательства Коданся говорится, что общее обозначение для японских фонарей – тоороо (торо).

Андон (яп. 行灯?, идущий свет) — это фонарь с бумажным абажуром на бамбуковом, металлическом или деревянном корпусе. Бумага защищает огонь от ветра. Свет производит горящий в каменной или керамической лампе масляный фитиль. Масло обычно рапсовое или сардиновое, а фитиль делают из хло́пка. Свечи не используются из-за дороговизны.

Андон стал популярен в период Эдо. Первые андоны носили в руках; их можно также ставить на стену или на землю. Большинство андонов имеет вертикальную форму; у некоторых есть ящичек в основании, туда можно сложить спички, масло и запасные фитили. Наверху андона делают ручку для переноски.

Лампы «андон» классифицируются в зависимости от их конкретного утилитарного назначения - а использовались андон в Японии так же часто, как часто применяют сейчас камни для ландшафтного дизайна в европейских садовых композициях - практически всегда и повсеместно. Лампы "андон" - традиционный атрибут жизни и быта японцев.
«Ариакэ андон» -  «фонарь, который зажигают на рассвете, пока ещё видна луна», лампы, которые ставили у кроватей, Для закрытых помещений андоны называют «окиандон», у слова оки несколько значений, но в данном контексте, пожалуй, лучше подойдет «лампа - настроение».
«Какэандон» -  «наружный фонарь», который размещали под карнизом магазина, и на нем красовалось имя торговца.  Наружный фонарь был обычным зрелищем в старой Японии.
Ещё использовались «Энсю(ю) андон», их придумал Кобори Энсю - придворный художник, аристократ, живший в годы правления сёгуна Токугава Иэясу. У цилиндирической по форме лампы внизу имелся выдвижной ящик.

Лампы стали очень популярными в период Эдо для освещения внутри дома. Популярные художники, Утагава Кунисада, Кувагата Кэйсай, Кэйсай Эйсэн расписывали фонари, известные каллиграфы наносили на бумагу благоприятные символы. Примеры старинных фонарей, покрытых живописью, составляют определенную категорию японской живописи – андон-э, и в сегодняшние дни они предмет коллекционирования.

Выражение хиру андон (яп. 昼行灯?, дневная лампа) означает «бесполезный». В истории о 47 ронинах этот эпитет применяют к Оиси Ёсио. Оно означает то, что не отвечает поставленной задаче или кого-то, на кого напрасно полагались.
В 1880 году в специальном разделе «Ежеквартального Обзора» была напечатана шутка- предсказание. Если холостяк прикурил свою трубку от андона, а не от хибати, он так и останется холостяком.
Совренные версии «андон», конечно, электрические, такие лампы  располагают на полу, хотя они могут находиться также на столе или полке.

Бомбори (яп. 雪洞?, дословно «снежная пещера»; атэдзи) — это маленький андон с шестигранным корпусом и довольно широкой открытой поверхностью наверху. В гимне киотосских гейш Гион коута (яп. 祇園小唄?, баллада о Гионе) есть такой куплет:

Лето. Наслаждаюсь ночной прохладой.
У бомбори на белой шее
Красная помада и незаметные слёзы.
Я горю словно костёр Даймондзи:
Возлюбленный Гионом дарари-оби!

Оригинальный текст  (яп.)  [скрыть]
夏は河原の夕涼み
白い襟あしぼんぼりに
かくす涙の口紅も
燃えて身をやく大文字
祇園恋しや　だらりの帯よ

Выходя на улицу когда стемнело, японцы брали портативные фонарики «тётин» - изготовленные из бамбука, покрытого бумагой или шелком, фонарики со свечой внутри. Позже тётин вывешивали перед магазинами, также как на «какэандон», на них стояло имя владельца. В современной Японии, особенно в районах развлечений фонари можно встретить повсюду. Большие красные фонари, «акатётин», определяют вход в идзакая. Самый яркий пример – гигантские «тётин» в воротах (Каминаримон и Ходзомон) буддистского храмового комплекса, Сэносодзи, в знаменитом районе Токио Асакуса.
Фонари тётин идеальны для использования на вечеринках, которые походят на открытом воздухе, как электрические, так и традиционные, со свечей внутри. Тёнин можно повесить на карнизе для освещения веранды. Современные тётин изготавливают из пластмассы.
Первое письменное свидетельство о фонариках «тётин» относится к 1085 году, на иллюстрациях они появляются с 1536 года.
Яркие примеры художников укиё-э – работы Утагава Кунисада, Хироси Ёсида, Кобаяси Киётика. Как и андон, фонари «тётин» расписывали и продолжают украшать в сегодняшние дни замечательные художники.
В самый первый день праздника (О)Бон, проходящего в августе, японцы зажигают у входа в жилища фонарики, на которых пишут свои имена, чтобы души умерших предков не ошиблись и попали по назначению к своим родственникам-потомкам. Когда они возвращаются обратно в потусторонний мир, живые родственники помогают им, пуская по воде дощечки на которых устанавливают зажженные фонарики. Предкам надо оказывать всяческий почет, поскольку в противном случае они могут обидеться, а в худшем случае и сильно оскорбиться.

Раньше фонари использовались ночью по прямому назначению, для освещения. Сейчас их делают больше для украшений и на праздники.

Обычно такие фонари развешиваются во время праздника, который проходит ежегодно 14-15 августа. У японцев со светом фонаря ассоциируется свет родительского дома и родного очага.
Этот фестиваль проводится в храме Касуга Тайся, одном из самых прославленных в Наре.

Такие фонари очень красивы и используются для украшения интерьера.
Изготавливаются они обычно из рисовой бумаги или шелка и имеют круглые или квадратные формы.

Есть еще плавучие фонарики, их делают в виде лодочек и запускают на реке или озере.
В фонарь внутри ставится обычная свечка, а стенки сделаны из толстой бумаги, которая пропускает неяркий свет от свечи.

Фонарик Саку Киринага (Shaku Kirinaga)

Название Саку происходит от старинной японской меры длины, которая составляла 30, 3 см. Киринага означает длинный и тонкий.
Обычно эти яркие и изящные фонарики составляют 91 см в длину и 33 см в ширину.
Иероглифы на фонарике читаются «Синсенгуми», и символизируют героическую группу японцев-фехтовальщиков конца 19 века, которые остались популярны и по сей день.

Фонарик Сакуси Тамагогата (Shakushi Tamagogata)

Традиционный фонарик в форме яйца, который вешают и зажигают в усыпальницах Синто по всей Японии.
Иероглифы произносятся как «Госинто», что означает «свет богов».
Классический японский фонарик такого вида имеет 67 см в длину и 43 см в ширину.

Фестивальные фонарики

Эти бумажные фонарики из гофрированной бумаги используют в ходе японских процессий. Их часто можно встретить в качестве украшений гробниц.
Размер такого фонарика 38 см в длину и 33 см в ширину.

Фонарик Гифу (Gify)

Орнаментированный фонарик Гифу обычно используют во время летнего буддийского фестиваля всех душ (Обон).
Обычно иллюстрируется растительными мотивами и имеет размер 45 см в длину и 30 см в ширину.

Фонари Изакая (Izakaya)

Эти большие красные фонари вешают у входа в японские закусочные изакая.
Размер такого фонаря 105 см в длину и 53 см в ширину. Из-за своего размера они требуют около месяца на изготовление.

Какой бы вид фонариков вы не выбрали, каждый из них передает дух вечности. Когда обращаешь внимание на маленький комочек света за тонкой стенкой бумаги, время останавливается, а собственная жизнь начинает видеться со стороны.

В ханамати вывешивают фонари с гербом квартала: в Гионе белые данго, в Понто-тё ржанка тидори.

Обычай использования японских фонариков появился вместе с буддизмом в конце 6 века, а техника их изготовления не меняется вот уже 300 лет. Большая часть работы делается вручную мастерами, которые посвятили созданию этих прекрасных предметов сердце и душу.
У японцев есть глубоко укоренившаяся традиция не тратить ничего понапрасну. Это касается и сломанных вещей – их стараются починить и использовать как можно дольше. Поэтому и хрупкие бумажные фонарики японцам могут служить годами, отремонтированные руками заботливого мастера и получившие новую жизнь.

Слово торо (яп. 灯篭 то:ро:?, фонарь-дракон) раньше означало просто «фонарь», сегодня «торо» — это каменный или железный высокий фонарь. Торо освещают ступы и дзиндзя, сады и другие здания традиционной архитектуры. Свет торо обычно электрический.

В Японию они пришли, как и многие другие вещи, из Китая. Но, в отличие от китайцев, японцы стали изготавливать их не их металла, а из камня. Прототипами фонарей стали ритуальные курительницы благовоний, которые помещали перед залом Будды. Вначале их использовали как обычные переносные светильники и ставили их, для освещения, вдоль дорог, ведущих к храму. Спустя время японские фонари стали украшать японский сад. Случилось это тогда, когда сады для чайных церемоний объединили с прихрамовыми. Поскольку чайные церемонии проводились в саду по вечерам, для их освещения требовались осветительные приборы. Ими стали
японские фонари toro. Сегодня японскими фонарями украшают не только сады для чайных церемоний, но и частные дворики, парки.

История японских фонарей достаточно плохо освещена в литературных источниках, по крайней мере ,о самых ранних этапах . Упоминанание о первых японских фонарях ,относится к 8 веку, когда они появились в храмовом комплексе Нара и были они на самом деле импортированы из Кореи. Тот тип фонарей стал основой для образования в дальнейшем самого красивого японского фонаря Катсуга – гата. Несколько веков после этого японские каменные фонари применялись в основном для освещения площадей и дорожек на территории храмов. Многие состоятельные люди из религиозных побуждений жертвовали японские фонари в буддийские и синтоистские монастыри и храмы. Огонь всегда притягивал взор человека и поэтому освещение фонарями носило еще и сакральный характер.

Расцвет японских фонарей начинается в 15-16 веках с фактически предписанием проводить церемонию чаепития с гостями по специально разработанному сложному регламенту – сценарию. Чайная церемония требовала устройства особого чайного домика и прилегающего к нему чайного сада небольшого размера. Поскольку чайная церемония была внесословным мероприятием, мода на нее быстро распространялась во всех слоях японского общества. Одним из революционных нововведений мастеров чайных церемоний (кстати монахов) было применение японских каменных фонарей в чайных садах. То есть фонари перестали быть только религиозным атрибутом. Именно тогда в чайных садах зародился самый романтичный японский фонарь Юкими-гата для любования падующими снежинками .Также в это же время появляется сдержанный Икекоми-гата, или по крайней мере его разновидность японский фонарь Орибе-гата.
В 17 веке в следствии утраты оборонительного значения поместий феодалов и запретом перемещений по стране возникает интерес к устройству садов прогулочного и пейзажного типов.В отличие от небольших чайных садов, где японские фонари воспринимались как часть мебелировки комнаты ,в более масштабных садах установленные фонари (как правило, больших размеров)становились частью пейзажа. В этом состоит один из принципов японского сада, обеспечивающий ему успех : сбалансированный ансамбль простых по форме элементов, как то вода ,камни, подстриженные растения , архитектурные предметы каждый из которых является неотьемлемой частью целого и взаимоусиливает эстетическое действие пейзажа (в отличие от европейских садов,которые были набором соревновательных компонентов или была подчиненность всех компонентов главному). Для этого пейзажные мастера намеренно упрощали японские каменные фонари, огрубляли их поверхность, придавая им большую «природность», «скальность».
В настоящий момент не существует особых правил по размещению японских фонарей и их количеству, лишь одно интуитивное понимание.Например ,симпатяга Юкими-гата вряд ли уместен перед храмом, помпезный Катсуга-гата смотрится везде, а Ренкей-гата уместен только на пруду.Также полезно иметь ввиду ,при расстановке фонарей, что освещение силой в одну свечу ничтожно.Поэтому японские фонари по ночам играли роль маяков - светили , но не освещали. Они лишь обозначали своим крошечным огоньком определенные места : повороты дорожек, контуры берегов, вход в дом и т.д.
Названия японских фонарей состоят из собственного имени и приставки гата, что означает тип, или торо ,что означает фонарь.
В качестве материала для каменных фонарей японцы применяют метаморфические горные породы, например гранит или гнейс спокойных тонов. Стоимость их изготовления из камня может составлять от нескольких тысяч долларов. Японские фонари с видимой «работой времени» ценятся гораздо дороже.

Каменные фонари – одна из отличительных черт восточной стилистики. Соответственно, размещать их нужно в участки, дизайн которых не противоречит этому духу. В то же время, не обязательно, чтобы стиль участка был именно японским, главное, чтобы фонари не выбивались из общей картины и гармонировали с остальными объектами и элементами.

Если же участок продуман в типично японском или восточном стиле, то данный компонент чуть ли не обязательно должен присутствовать в дизайне.

Отличительной особенностью японских фонарей toro является их необыкновенная форма, разнообразие очертаний, орнаментов, украшений. В Японии можно встретить как обычные, так и витиеватой формы светильники. Выделяют несколько основных видов фонарей в японском садовом искусстве: «Мидзу-Хотару», «Касуга», «Оки», «Юкими» и «Ямадоро».

К этим названиям прибавляется еще приставка «-торо», что в переводе с японского означает «каменный фонарь» или «гата».

Несмотря на разнообразие и многогранность, все фонари объединяет единая структура, большинство составляющих которой, присутствует в каждом из них:

подставка (как вариант — опорный камень);
опора;
подставка камеры, в которой находится светильник;
сама камера;
крыша.

Юкими-торо
«Юкими-торо» («фонарь любования снегом»). Отличительная черта данного вида в большой плоской крыше, которая не позволяет долго растаять выпавшему на нее снегу. Имеет 3-4 опоры, которые либо углубляют в землю, любо подпирают камнем. Фонарь обычно устанавливают у водной глади, чтобы он отражался в ней, создавая дополнительный чарующий эффект.

Касуга-торо
«Тачи-гата» — фонари на пьедестале большого размера (от 1,5 до 3 метров) используются в основном в больших садах.
Классический пример тати-гата, стиль, относящийся к периоду Асикага, – Фонарь Касуга.
Название фонаря обращается к Великой Святыне Касуга в Нара, установленной в 768 году и первоначально являвшейся семейной святыней семейства Фудзивара. Фонари покровителей буддистского учения в буддистских храмах, так же часто их располагают в «чайных» (и не только) садах в местах пересечения. Резьба на световой области рассказывает о происхождении конкретного фонаря.
Опора данного фонаря имеет округлое сечение. Верхнюю и нижнюю части этой опоры покрывают резным орнаментом. Крыша этого замечательного фонаря имеет шестигранную форму с загнутыми к верху углами. Отличается изяществом и аккуратностью, и прекрасно подходит как элемент – центр композиции.

Оки-торо
«Оки-торо». Самый маленький по размерам фонарь в японской традиции садового искусства. Высота данного вида зачастую не превышает 40-ка сантиметров. Устанавливается у небольших прудов или на отмелях в водоемах. Так же отличается отсутствием подставок, опор, опорных камней.

Фонарь Ямадоро
«Ямадоро-торо» очень неофициальный и простоватый фонарь. Камни практически не обрабатывают, а просто формируют как фонарь. Яркая противоположность предыдущему виду. Вросший в землю фонарь из грубо обработанных камней с ассиметричными формами. Высота «ямадоро» достигает метра. Светильная камера состоит из четырех граней. Особый шарм этот фонарь приобретет, если его поместить рядом с таким же по стилистике мостом, изогнутым над ручьем или узким водоемом в обрамлении ветвей деревьев и кустарников.

Санко-доро

Санко доро (или Санко торо), фонарь «Три Света» в стиле оки-доро. У фонаря три окошка вырезанные в форме солнца, луны – на длинных сторонах фонаря и на короткой стороне – звездообразное окошко. Фонарь был разработан, чтобы освещать путь человека после того, как он пересек водную поверхность и вышел из лодки.
Фонарь столь необычного вида был найден возле озера в Кацура Рикю (Императорская Вилла Кацура) в Киото. Сады Кацура Рикю, к слову,  сказать считаются шедевром японского ландшафтного дизайна и одним из многих важных крупномасштабных культурных сокровищ Японии.

Мидзу хотару
Мидзуботару торо, ещё известен как Мидзу Хотару («Водный Фонарь Светлячков»). Свет светлячков о чем-то размышляющих над водной гладью сада в тишине ночи вдохновил на создание Мидзу Хотару. Фонарь размещают почти у воды на противоположной стороне водоема, чтобы предоставить возможность наблюдателю участвовать в раздумьях светляков. Возможно, название произошло из японского литературного шедевра «Повесть о Гэндзи», написанного придворной дамой Мурасаки Сикибу. В другой версии о происхождении названия утверждается, что Принц Якахито увидел отражение в водах Озера в Кацура Рикю и по ошибке решил, что это не свет фонаря, а группа светляков над водой.
Фонарь в стиле икэкоми-доро. Круглая колонна без основания вкопана в землю. Коробка для света квадратная с квадратными окошками с двух более длинных сторон и двойными окошками в форме треугольников спереди и сзади, и покрыта крышей нехарактерной формы.

Икекоми-торо
«Икекоми-гата» — закапываются прямо в землю возле бамбуковых водоёмов, но будут хорошо смотреться в любом месте сада.

Котодзи
Фонарь Котодзи, японский символ творческой мысли, воплощенной в камне. Тело фонаря как считают, напоминает камертон для настройки кото.
Название фонаря так примерно и переводится – «настраивать кото». Такой музыкальный фонарь устанавливают возле воды. Две ноги в воде, две – в земле, чтобы подчеркнуть отличие, и в то же время взаимосвязь земли и воды.

Общие принципы сооружения японского фонаря
Интересный фонарь в виде пагоды. Алгоритм создания любого из видов фонарей сводится к нескольким основным шагам. В первую очередь потребуется материал: камни, глина (раствор цемента), свечи. Камни выбирайте, полагаясь на свою интуицию и исходя стилистики участка. В типичной ситуации понадобится как минимум один плоский камень для основания, один камень округлой, квадратной или шестигранной формы для крыши, несколько камней небольшого размера для столбиков на опору. Если подобранные камни не удовлетворяют Вас по форме или размерам, то можно их немного обработать.

После того, как материал подготовлен, можно приступать к работе:

один из плоских камней располагается на месте будущего фонаря и фиксирует на нем. Он будет служить основанием;
далее необходимо возвести несколько столбиков из небольших камней, и закрепить их глиной или раствором цемента. Эти столбики должны образовать полость, в которую чуть позже будет устанавливаться свеча — работать нужно аккуратно;
после того, как смесь высохла, и конструкция окрепла, на нее размещается камень-крыша.
Этих пунктов может быть намного больше. Все зависит от вашей фантазии и от того, как Вы видите будущий фонарь на своем участке.

Японская матрешка
Когда и где впервые появилась матрёшка, кто её придумал? Почему деревянная раскладная кукла-игрушка называется «матрёшка»? Что символизирует такое уникальное произведение народного творчества?
С самых первых попыток найти внятные ответы оказалось невозможным – сведения о матрёшке оказались довольно запутанными. Так, например, существуют «Музеи матрёшки», в СМИ и в сети Интернет можно прочесть множество интервью и статей на эту тему. Но музеи или экспозиции при музеях, а также многочисленные публикации, как выяснилось, посвящены, в основном, различным художественным образцам матрёшки, изготовленным в разных регионах России и в разное время. Но мало что сказано об истинном происхождении матрёшки.
Для начала напомню основные версии-мифы, исправно переписываемые под копирку и кочующие по страницам различных изданий.

Часто повторяющаяся общеизвестная версия: появилась матрёшка в России в конце 19 века, придумал её художник Малютин, выточил токарь Звездочкин в мастерской «Детское воспитание» Мамонтова, а прообразом русской матрёшки послужила фигурка одного из семи японских богов удачи – бога учёности и мудрости Фукурумы. Он же Фукурокуджу, он же Фукурокудзю (в разных источниках указана разная транскрипция имени).
Ещё одна версия появления будущей матрёшки в России – якобы первым вырезал подобную игрушку некий русский православный монах-миссионер, побывавший в Японии и скопировавший составную игрушку с японской. Сразу оговоримся: точных сведений, откуда взялась легенда о мифическом монахе – нет, и ни в одном источнике конкретной информации не существует. Более того, какой-то странный монах получается с точки зрения элементарной логики: стал бы христианин копировать языческое, по сути, божество? Зачем? Игрушка понравилась? Сомнительно, хотя с точки зрения заимствования и желания переделать на свой лад, возможно.

Японская кукла Фукурума

Русская матрешка

Версия третья – японскую фигурку будто бы привезли с острова Хонсю в 1890 году в подмосковную усадьбу Мамонтовых в Абрамцево. «Японская игрушка была с секретом: в старичке Фукуруму пряталась вся его семья. В одну из сред, когда в усадьбу наезжала художественная элита, хозяйка показала всем забавную фигурку. Разъёмная игрушка заинтересовала художника Сергея Малютина, и он решил сделать нечто подобное. Японское божество он, конечно, повторять не стал, сделал эскиз круглолицей крестьянской барышни в цветастом платочке. А чтобы она выглядела поделовитее, пририсовал ей в руку чёрного петуха. Следующая барышня была с серпом в руке. Еще одна – с караваем хлеба. Как же сестричкам без братца – и он появился в расписной рубахе. Целое семейство, дружное и трудолюбивое.
Изготовить свою небывалинку он заказал лучшему токарю Сергиево-Посадских учебно-показательных мастерских В. Звездочкину. Первую матрёшку хранит ныне Музей игрушки в Сергиевом Посаде. Раскрашенная гуашью, выглядит она не очень-то празднично.
Но, во-первых, токарь Звездочкин не работал до 1905 года в Сергиево-Посадских мастерских! Об этом будет рассказано ниже. Во-вторых, другие источники говорят о том, что «родилась она (матрёшка – прим.) именно здесь, в Леонтьевском переулке (в Москве – прим.), в доме № 7, где раньше находилась мастерская-магазин «Детское воспитание», принадлежавшая Анатолию Ивановичу Мамонтову, брату знаменитого Саввы. Анатолий Иванович, как и его брат, увлекался национальным искусством. В его мастерской-магазине художники постоянно работали над созданием новых игрушек для детей. И один из образцов сделали в виде деревянной куклы, которая была выточена на токарном станке и изображала крестьянскую девочку в платочке и переднике. Кукла эта раскрывалась, и там была еще одна крестьянская девочка, в ней – еще одна…»
Вот уже и создалась путаница, по принципу «кто, где и когда был, иль не был». Пожалуй, наиболее кропотливое, тщательное и взвешенное исследование провела Ирина Сотникова- статья «Кто придумал матрёшку» . Аргументы, которые приводит автор исследования, наиболее объективно отображают реальные факты появления такой необычной игрушки, как матрёшка, в России.

Японская кукла Дарума

О точной дате появления матрёшки И. Сотникова пишет следующее: «…иногда появление матрёшки датируют 1893-1896 годами, т.к. эти даты удалось установить по отчетам и докладам Московской губернской земской управы. В одном из таких отчетов за 1911 год Н.Д. Бартрам 1 пишет о том, что матрёшка появилась на свет около 15 лет назад, а в 1913 году в докладе Бюро кустарному совету он сообщает, что первая матрёшка была создана 20 лет назад. То есть опираться на такие приблизительные сообщения довольно проблематично, поэтому во избежание ошибки обычно называется конец 19 века, хотя есть упоминание и 1900 года, когда матрёшка завоевала признание на Всемирной выставке в Париже, и за границей появились заказы на её изготовление»
Далее следует весьма любопытное замечание о художнике Малютине, о том, являлся ли он на самом деле автором эскиза матрёшки: «Все исследователи, не сговариваясь, называют его автором эскиза матрёшки. Но самого эскиза в наследии художника нет. Нет и свидетельств того, что художник когда-либо делал этот эскиз. Более того, токарь Звездочкин приписывает честь изобретения матрёшки себе, совершенно не упоминая Малютина»

Японская кукла Дарума

Что касается происхождения нашей русской матрёшки от японского Фукурумы, то и здесь Звездочкин о Фукуруме ничего не упоминает. Теперь следует обратить внимание на немаловажную деталь, почему-то ускользающую от других исследователей, хотя видно это, как говорится, невооружённым глазом – речь идёт о некоем этическом моменте. Если брать за основу версию «происхождения матрёшки от мудреца Фукурумы», возникает довольно странное ощущение – ОНА и ОН, т.е. русская матрёшка, мол, произошла от него, от японского мудреца. Подозрительным образом напрашивается символическая аналогия с ветхозаветной сказкой, где Еву создали из ребра Адама (т.е. она произошла от него, а не наоборот, как это происходит естественным образом в природе).
Вернёмся к исследованию Сотниковой: «Вот как описывает возникновение матрёшки токарь Звездочкин: «…В 1900 (!) году изобретаю трех- и шестиместную (!) матрёшку и посылаю на выставку в Париж. Проработал у Мамонтова 7 лет. В 1905 году В.И. Боруцкий выписывает меня в Сергиев Посад в мастерскую Московского губернского земства в качестве мастера». Из материалов автобиографии В.П. Звездочкина, написанной в 1949 году, известно, что Звездочкин поступил в мастерскую «Детское воспитание» в 1898 году (родом он был из деревни Шубино Подольского района). Значит, матрёшка не могла появиться на свет ранее 1898 года. Поскольку воспоминания мастера были написаны почти 50 лет спустя, за их точность всё-таки трудно поручиться, поэтому датировать появление матрёшки можно приблизительно 1898-1900 годами. Как известно, Всемирная выставка в Париже открылась в апреле 1900 года, значит, эта игрушка была создана немного раньше, возможно, в 1899 году. Кстати, на парижской выставке Мамонтовы получили бронзовую медаль за игрушки».

Русская матрешка

А что же с формой игрушки и заимствовал ли Звездочкин идею будущей матрёшки, или нет? Или всё-таки первоначальный эскиз фигурки создал художник Малютин?
«Интересные факты удалось собрать Е.Н. Шульгиной, которая в 1947 году заинтересовалась историей создания матрёшки. Из бесед со Звездочкиным она узнала, что он увидел как-то в журнале «подходящую чурку» и по её образцу выточил фигурку, которая имела «смехотворный вид, напоминала как будто монашенку» и была «глухая» (не раскрывалась). По совету мастеров Белова и Коновалова он выточил её иначе, затем они показали игрушку Мамонтову, который одобрил изделие и отдал его расписывать группе художников, работавших где-то на Арбате. Эту игрушку отобрали на выставку в Париж. Мамонтов получил на неё заказ, а затем Боруцкий купил образцы и распространил их по кустарям.
Наверное, нам никогда не удастся точно узнать об участии С.В. Малютина в создании матрёшки. По воспоминаниям В.П. Звездочкина получается, что форму матрёшки придумал он сам, а вот насчет росписи игрушки мастер мог и запамятовать, прошло много лет, события не фиксировались: ведь тогда никто не мог и предположить, что матрёшка так прославится. С.В. Малютин в то время сотрудничал с издательством А.И. Мамонтова, иллюстрировал книги, так что он вполне мог расписать и первую матрешку, ну а затем по его образцу игрушку расписывали уже другие мастера»

Японская кукла Фукурума

Теперь о прототипе матрешки. А был ли Фукурума? Некоторые сомневаются, хотя почему тогда появилась эта легенда, да и легенда ли? Вроде бы деревянный божок до сих пор хранится в Музее игрушки в Сергиевом Посаде. Возможно, это тоже одна из легенд. Кстати, сам Н.Д. Бартрам, директор Музея игрушки, сомневался в том, что матрёшка «заимствована нами от японцев. Японцы большие мастера в области токарных игрушек. Но их всем известные «кокеши» в принципе своего построения на матрёшку не похожи».
Кто же такой наш загадочный Фукурума, добродушный лысый мудрец, откуда он все-таки взялся? …По традиции японцы на Новый год посещают храмы, посвященные божествам удачи, и приобретают там их маленькие статуэтки. Может быть, легендарный Фукурума содержал внутри себя шесть остальных божеств удачи? Это только наше предположение (достаточно спорное).
В.П. Звездочкин совсем не упоминает Фукуруму – фигурку святого, которая раскладывалась на две части, затем появлялся другой старичок и так далее. Заметим, что в русских народных промыслах разъёмные деревянные изделия также пользовались большой популярностью, например, всем известные пасхальные яйца. Так что был Фукурума, не было его, узнать затруднительно, да не так уж и важно. Кто его теперь помнит? А вот нашу матрешку знает и любит весь свет!»

Русская матрешка

Почему оригинальную деревянную куклу-игрушку назвали «матрёшкой»? Практически единодушно все исследователи ссылаются на то, что это название происходит от женского имени Матрёна, распространённого в России: «Имя Матрёна произошло от латинского Matrona, что означает «знатная женщина», по-церковному писалось Матрона, среди уменьшительных имен: Мотя, Мотря, Матрёша, Матюша, Тюша, Матуся, Туся, Муся. То есть теоретически матрешка могла бы называться и мотькой (или муськой). Звучит, конечно, странно, хотя чем хуже, например, «марфушка»? Тоже хорошее и распространенное имя — Марфа. Или Агафья, между прочим, популярная роспись по фарфору называется «агашка». Хотя согласимся, что «матрёшка» название очень удачное, кукла действительно стала «знатной».
Само имя Матрона действительно означает «знатная женщина» в переводе с латыни, и включено в Православный церковный календарь. Но, что касается утверждения многих исследователей о том, что Матрёна – женское имя, очень любимое и распространённое в среде крестьянства в России, то и здесь имеются любопытные факты. Некоторые исследователи попросту забывают, что Россия большая. А это значит, что одно и то же имя, или один и тот же образ могут заключать в себе как положительное, так и отрицательное, иносказательное значение.
Так, например, в «Сказках и преданиях Северного края», собранных И.В. Карнауховой, есть сказка «Матрёна». В которой повествуется о том, как баба по имени Матрёна чуть было не умучила чёрта. В публикуемом тексте прохожий-горшечник избавляет чёрта от ленивой и вредной бабы и, соответственно, в дальнейшем пугает ею чёрта.
В данном контексте Матрёна является неким прообразом злой жены, которую боится сам чёрт. Подобные описания встречаются и у Афанасьева. Сюжет о злой жене, популярный на Русском Севере, неоднократно записывался экспедициями ГИИС в «классических» версиях, в частности, от А.С. Крашанинниковой, 79 лет, из д. Мешкарево Повенецкого уезда.

Русская матрешка

На одном из форумов на тему культуры, в частности, развёрнутой в сети Интернет, прозвучало буквально следующее: «Прототип русской матрешки (имеет ещё и индийские корни) – японская деревянная кукла. За образец взяли японскую игрушку – даруму, куклу-неваляшку. По своим истокам она представляет собой изображение древнего индийского мудреца Дарумы (санскр. Бодхидхарма) в V веке перебравшегося в Китай. Его учение в средние века широко распространилось в Японии. Дарума призывал к постижению истины через молчаливое созерцание, и в одной из легенд он – пещерный затворник, располневший от неподвижности. По другой легенде, от неподвижности у него отнялись ноги (отсюда безногие скульптурные изображения Дарумы).
Тем не менее, матрёшка сразу снискала небывалое признание как символ русского народного искусства.
Существует поверье, что если внутрь матрёшки положить записку с желанием, то оно непременно исполнится, причем, чем больше труда вложено в матрёшку, т.е. чем больше в ней мест и чем качественней роспись матрёшки, тем быстрее желание исполнится. Матрёшка – это тепло и уют в доме»

С последним трудно не согласиться – чем больше мест в матрёшке, т.е. чем больше внутренних фигурок, одна меньше другой, тем больше можно положить туда записочек с желаниями и ждать, когда они исполняться. Это своего рода игра, и матрёшка здесь выступает в роли очень обаятельного, милого, домашнего символа, настоящего произведения искусства.
Что касается восточного мудреца Дарумы (вот ещё одно имя «предшественника» матрёшки!) – честно говоря, располневший от неподвижности, да ещё с отнявшимися ногами «мудрец» крайне плохо ассоциируется с русской игрушкой, в которой каждый человек видит позитивный, нарядный символический образ. И ведь благодаря этому прекрасному образу наша матрёшка пользуется огромной известностью и популярностью практически во всём мире. Речь вовсе не идёт о «матрёшках» в виде политических деятелей мужского (!) пола, карикатурными ликами которых предприимчивые кустари в девяностые годы наводнили весь Старый Арбат в Москве. Речь идёт, прежде всего, о продолжении старых традиций разных школ в росписи русской матрёшки, о создании разных по количеству (так называемой, «местности») матрёшек.

В процессе работы над этим материалом возникла необходимость задействовать и смежные источники, не только посвящённые теме русской народной игрушки. Не стоит забывать, что в древности, и не только на Руси, различные украшения (женские и мужские), предметы обихода, а также игрушки, вырезанные из дерева или сделанные из глины, играли роль не просто предметов, скрашивающих быт – но являлись ещё и носителями определённой символики, имели какой-то смысл. А само понятие символизма тесно переплеталось с мифологией.
Так, удивительным образом встретилось совпадение имени Матрона, перекочевавшего (по общепринятой версии) из латинского в русский язык, с древнеиндийским образами:
МАТРИ (др.-инд. «мать»), ударение ставится на первый слог – в индуистской мифологии божественные матери, олицетворяющие созидательные и губительные силы природы. Идея активного женского начала получила широкое признание в индуизме в связи с распространением культа шакти. Матри рассматривались как женские персонификации творческой энергии великих богов: Брахмы, Шивы, Сканды, Вишну, Индры и т.д. Число Матри колебалось от семи до шестнадцати; в некоторых текстах о них говорилось как о «великом множестве»
Вам ничего это не напоминает? Матрёшка – она же «мать», которая символизирует собой, по сути, СЕМЬЮ, да ещё состоящую из разного количества фигурок, которые символизируют детей разного возраста. Это уже не просто совпадение, а доказательство общих, индоевропейских корней, что имеет прямое отношение и к славянам.

Отсюда можно сделать следующий вывод: образно говоря, если символическое «путешествие» необычной деревянной фигурки начинается в Индии, затем получает своё продолжение в Китае, оттуда фигурка попадает в Японию, а уже затем «неожиданно» находит своё место в России – утверждение о том, что наша русская матрёшка была скопирована с фигурки японского мудреца, несостоятельно. Хотя бы потому, что сама фигурка некоего восточного мудреца не является исконно японской. Вероятно, гипотеза об обширном расселении славян и распространении их культуры, которая оказала впоследствии своё влияние на культуры других народов, в том числе проявившая себя и в языке, и в божественном пантеоне имеет под собой общую для индоевропейской цивилизации основу.
Однако, скорее всего, идея деревянной игрушки, которая состоит из нескольких фигурок, вставляющихся одна в другую, была навеяна мастеру, создавшему матрёшку, русскими сказками. Многие, например, знают и помнят сказку о Кощее, с которым борется Иван-царевич. Например, сюжет о поисках царевичем «кощеевой смерти» звучит у Афанасьева: «Чтобы совершить такой подвиг, нужны необычайные усилия и труды, потому что смерть Кощея сокрыта далеко: на море на океане, на острове на Буяне есть зелёный дуб, под тем дубом зарыт железный сундук, в том сундуке заяц, в зайце утка, в утке яйцо; стоит только раздавить яйцо – и Кощей мгновенно умирает»

Сюжет мрачен сам по себе, т.к. связан со смертью. Но здесь речь идёт о символическом значении – где спрятана истина? Дело в том, что этот, практически идентичный мифологический сюжет встречается не только в русских сказках, да ещё в разных вариантах, но и у других народов! «Очевидно, что в этих эпических выражениях таится мифическое предание, отголосок доисторической эпохи; иначе как бы могли возникнуть у разных народов столь тождественные сказания? Кощей (змей, великан, старый чародей), следуя обычному приему народного эпоса, сообщает тайну своей смерти в форме загадки; чтобы разрешить её, нужно подставить метафорические выражения общепонятными».
Это наша философская культура. И поэтому высока вероятность того, что мастер, выточивший матрёшку, помнил и хорошо знал русские сказки – на Руси часто проецировался миф на реальную жизнь.
Другими словами, одно в другом спрятано, заключено – и чтобы найти истину, необходимо дойти до сути, открыв, одну за другой, все «шапочки-нахлобучки». Может быть, именно в этом и заключается истинный смысл такой замечательной русской игрушки, как матрёшка – напоминание потомкам об исторической памяти нашего народа?

Нэцки
Миниатюрная скульптура нэцкэ уже много лет привлекает к себе особое внимание всех интересующихся искусством стран Дальнего Востока как один из наиболее ярких и самобытных видов творчества японского народа. Нэцкэ - это своебразный брелок или противовес, с помощью которого у пояса носили кисет с табаком, связку ключей или инро - коробочку для парфюмерии или лекарств. Как вид скульптуры нэцкэ появились в XVII веке, а расцвет миниатюрной пластики пришелся на XVII-XIX века. Творчество мастеров нэцкэ зародилось как новый вид искусства, связанного с возникновением специфической средневековой городской культуры.
Многие сюжеты нэцкэ пришли из традиционной японской мифологии, легенд, исторических сказаний, пословиц, притч. Исполненные в разной художественной манере, нэцкэ отличаются ярким своеобразием образов и виртуозным техническим мастерством.
Особое место в миниатюрной скульптуре занимают нэцкэ, связанные с изображением природы. Художники периода Эдо видели бесконечность и разнообразие в цветах и каплях росы. Они находили особое очарование в точной фиксации форм растений, цветов, плодов, животных и изображали чаще всего отдельные фрагменты природы, единичные экземпляры. Небольшие размеры произведений не препятствовали силе и поэтичности образов.

Типология (виды) нэцкэ:

*катабори(形彫) — самый известный вид нэцкэ, компактная резная скульптура, которая может изображать людей, животных, многофигурные группы. Характерна для зрелого периода истории нэцкэ (конец XVIII — начало XIX века).
*анабори(穴彫) — подвид катабори, сюжеты которого создаются внутри вырезанной полости; наиболее обычны сцены внутри двустворчатой раковины
*саси(差) — Одна из наиболее старых форм нэцкэ. Она представляет собой длинный брусок (из различных материалов, но чаще всего из дерева) с отверстием для шнура на одном конце. Способ употребления саси отличается от всех других форм. Если катабори, мандзи и прочие использовали в качестве противовеса, то саси затыкали за пояс таким образом, что отверстие находилось внизу, а на шнурке, пропущенном через него, свисал кошелёк, ключи и т. п. Иногда на верхнем конце дополнительно вырезался крючок, зацеплявшийся за верхний край пояса. Обычно саси считают одной из форм нэцкэ, но по мнению некоторых исследователей, она является модификацией рукоятки меча, к которому подвешивали мешочек с кремнем и огнивом. Ещё одна близкая аналогия саси — приспособление оби-хасами, изобретённое в Китае. Оно в принципе аналогично саси, имеет крючок сверху, но вместо отверстия у оби-хасами внизу есть небольшое круглое утолщение, за которое привязывался носимый предмет. Первые нэцкэ-саси до наших дней дошли в очень небольшом количестве. Кроме того, первые нэцкэ-саси трудноотличимы от оби-хасами. Позже, в период развитого искусства нэцке, форма саси, вероятно, воспринималась как архаизм и использовалась не часто.
* маска (яп. 面 мэн) — самая большая после катабори категория, часто являлась уменьшенной копией маски Ноо, по своим свойствам сходна с катабори и мандзю/кагамибута
* итараку — нэцкэ в форме тыквы, коробочки или других предметов, сплетённых из проволоки, бамбука или тростника.
*мандзю (饅頭) — нэцкэ в виде толстого диска, выполненного чаще всего из слоновой кости. Иногда делается из двух половинок. Изображение даётся гравировкой, которая, как правило сопровождается чернением. Название получила благодаря сходству с круглой плоской рисовой лепёшкой мандзю. Одной из своеобразных разновидностей мандзю является композиции, составленные из нескольких миниатюрных театральных масок.
*рюса (柳左)— Вариант формы мандзю. Основное отличие этой формы от обычной мандзю в том, что она пустая внутри, а одна (верхняя) часть выполнена в технике сквозной резьбы. Когда рюса делали из двух разъёмных половинок, то обычно из середины материал выбирался с помощью токарного станка. Эта форма особенно часто использовалась в Эдо, где жил известный резчик Рюса (работал в 1780 годы), по имени которого она и названа. Считается, что эта форма, так же как и мандзю, особое распространение получила в связи с землетрясениями периода Ансэй (1854—1860), и в особенности с эдосским землетрясением 1855 года, когда многие нэцкэ были уничтожены и возникла необходимость в новой продукции. Простота изготовления рюса по сравнению, например, с катабори или кагамибута и повлияла на их преимущественное распространение в это время.
* кагамибута (鏡蓋) — тоже сходна с мандзю, но представляет собой плоский сосуд, выполненный из слоновой или другой кости, рога, редко дерева, сверху покрытый металлической крышкой, на которой и сосредоточена основная часть декоративного оформления на основе широкой гаммы техник. Подпись на таких нэцкэ обычно принадлежит мастеру по металлу.

Ринго
Самое тяжелое яблоко весило 1 849 грамм. Его вырастил Хисато Ивасаки на своей ферме в Хиросаки, Япония. Яблоко было сорвано 24 октября 2005 года.

Секрет популярности
японский стиль все больше распространяется во всем мире и в России в том числе. Этот стиль прослеживается как в посуде, так и в дизайне интерьера и широко применяется в японских ресторанах. Простые прямоугольные, квадратные, треугольные и круглые формы без особых изощрений присущи  японской посуде, а белый цвет заменен чаще другими натуральными цветами. В качестве украшений  выступают незатейливые рисунки растений, цветов и птиц. Близость к природе, а значит, святость обязывает мастера вложить свою душу в работу.

Именно японская посуда предполагает ручную роспись, а это значит, что подобное творчество доступно только профессионалам, которые хорошо знакомы с колоритными и самобытными японскими традициями, и которые эти традиции впитали в свои сердца.

На волне всеобщего увлечения Японией возникло множество подражаний в разных сферах жизни и искусства. Сейчас аналоговая японская посуда из страны восходящего солнца широко представлена на рынках мира копиями и стилизациями, к слову сказать, вполне конкурентноспособными и качественными.

Ручная работа способом литья из различных масс, а потом заливка разной цветной глазурью, которая делается из минералов – вот очень кратко о технологическом процессе изготовления некоторых элементов посуды на фабриках, позволяющих себе поработать с прекрасной экзотикой и воспроизвести японский стиль в своих изделиях.

Почему японская посуда так популярна во всем мире?

Наверное, потому что люди соскучились по природе. Ее нам не хватает, а в пылу наших забот мы просто не имеем времени остановиться и обратить на нее должное внимания. В японской религии главным является слияние с природой, а значит, что и при создании посуды это стремление должно быть выражено и видно всем. Смешение цветов, стилей, фактур и форм естественно и совсем не отвергается, а только приветствуется. Кроме того, что может удивить, так это то, что японская посуда не боится быть яркой. Например, красные краски вместе с золотом и растительными рисунками вполне приемлема для любого интерьера или некоторых наборов посуды. А называется такая яркая посуда Кутани.

Как правило, цвета японской посуды часто нельзя описать, так как художники стараются вкраплять в основной цвет дополнительные цвета различными способами. Так красно-оранжевые вкрапления на молочную посуду делаются благодаря различным веществам железа. Синее вкрапление на белом фарфоре называется Имари. И это очень красиво!

Японская посуда  может быть керамическая массивная с неровной поверхностью, также она может быть украшена толстым слоем глазури различных оттенков, а еще просто посуда из тонкого фарфора белого цвета с рисунками.

Для каждого времени года японцы используют посуду разного цвета. Но для сервировки стола, например, совсем не обязательно, чтобы вся посуда была из одного сервиза. Их может быть несколько и совсем не обязательно, чтобы они хорошо сочетались, хотя в большинстве случаев, японские сервизы, наборы посуды, выполненные в классическом традиционном стиле, без труда гармонично сочетаются между собой и по форме и по цвету, абсолютно не вызывая никакого чувства созерцания эклектики.

Для риса или супа используют чаши Ван с крышками, где еда хорошо сохраняется и не остывает.

Пиалы Тяван предназначены для чая. Они могут быть разной формы. Чаша с маленьким носиком называется Катакути и ее используют для соусов.

Заварные чайники Добин часто делают из керамики. Блюдца с высокой ножкой используют для гарниров из морепродуктов, а также и для овощей.

Многим ценителям очень нравится японская посуда. Так приятно порой бывает приобщиться к загадочной культуре, ощутить в руках горячую керамику с зеленым чаем или мисо-супом. Ведь она несет истинное тепло и уют в любой дом. © kanunnikovao.ru
Справедливо будет заметить, что современные японцы далеко не всегда пользуются традиционной посудой. Традиционная японская посуда обязывает к соблюдению традиционного этикета при трапезе, в котором говориться о спокойствии, созерцательности, неторопливости принятия пищи. Конечно, с такой посудой принимают гостей, но не ходят на пикники, даже если они приурочены к ханами. В походы и на пикники берут специальную посуду, которую принято брать в таких случаях во всем мире. Все это еще и потому что на походный набор посуды цена тоже соответствующая. Это все же не коллекционные или антикварные наборы японской керамики ручной работы, которые не все японцы и не японцы могут себе позволить, кстати.

Футон
Футон (яп. 布団) — традиционная японская постельная принадлежность в виде толстого хлопчатобумажного матраца, расстилаемого на ночь для сна и убираемого утром в шкаф.
В XIII веке большинство японцев спало на соломенных циновках, но самые богатые японцы предпочитали спать на татами. Они были не такие мягкие, как современные футоны, а были тверды и неудобны.

В XVII веке японцы начали использовать иные постельные принадлежности — хлопчатобумажные матрацы футоны, набитые хлопком и шерстью. Первоначально они были слишком дороги, и их покупали только самые богатые японцы. Один такой матрац мог стоить 1,2 млн. иен. Позднее, в XVIII веке, такие матрацы стали более доступными и служили не только в качестве постели, но и использовались знатными японцами в качестве дорогих подарков. Подобные подарки богатые мужчины часто дарили женщинам, чтобы соблазнить их. Также их дарили проституткам юдзё: чем более высокого разряда была проститутка, тем больше хлопчатобумажных матрацев она могла получить за свою работу.

В XIX веке, благодаря импорту сырого хлопка, цена на футоны упала и большинство японцев смогли позволить себе приобрести их.

Японский стиль жизни — сидеть и спать на футонах (хлопчатобумажных матрасиках и подушках), лежащих на полу, находят своих сторонников и в наших, как правило, молодых семьях. Преимущество такого стиля в том, что в случае необходимости матрасики или подушки можно просто убрать или сложить в сторону и сразу появится свободное место, что особенно важно в маленьких помещениях. Футоны могут быть альтернативной мебелью на период, пока купится более дорогая. В любом случае найдутся сторонники этого стиля уже потому, что сиденье или лежанка из натуральных материалов полезно. Ведь футоны традиционно изготавливаются из хлопка, шерсти, льна, гречневой шелухи, кокосового вретища с добавлением конского волоса и латекса.

Современные японцы спят на футонах

Интересно устроены люди. Потребности у всех одинаковые, а вот их удовлетворение приобретает различные формы. От чего это зависит? Может, от возможностей. Или все-таки от мировоззрения? Например, почему европейцы, отказавшись от сна на деревьях выбрали кровати, покрытые удобным матрасом, а японцы – не очень мягкий футон на татами?

Футон – это не просто японский матрас, это скорее традиционная для Японии система спальных принадлежностей. Внешне футон похож на матрас. Он наполнен хлопком. Отдельные волокна хлопка разной длины прочесываются и укладываются в тонкую паутину друг на друга. Затем они простегиваются в пласты, наподобие ватина, и полученные пластины сшиваются в матрас.

Японские футоны тонкие – около 5 см высотой, с наружным тканевым покрытием. Матрас-футон (шикибатон) – часть комплекта, куда входит также стеганое одеяло (какэбатон) или одеяло (мифу), летнее одеяло, похожее на большое полотенце, и подушка (макура), обычно наполненная зернами фасоли, сечкой гречневой крупы или пластмассовыми бусинами (раньше вместо подушки было полено).

Именно так спят японцы. Утром футон вместе с другими спальными принадлежностями скатывают в рулон и убирают в шкаф, чтобы татами, на котором он был уложен, проветрился. И комната освобождается.

В 1940-е годы футоны стали очень популярны в США. Чуть позже начинается их промышленное производство в Европе. И что самое удивительное, западный вариант футонов вовсе не похож на оригинал: они кладутся на раскладную раму и используются еще и как кровать или кресло, или диван. Западные футоны намного толще и больше японских. Единственное, что их связывает с «прародителем» – удобство при сборке. Так же, как и японские, западные футоны освобождают пространство при складывании.

Полезен ли футон для вашего позвоночника? Так как он достаточно тонкий, а значит степень жесткости высокая, многие говорят об ортопедическом эффекте. Напротив, те, кто считает, что ортопедический не значит жесткий, говорят о вреде длительного сна на футоне и говорят, что японский матрас футон проигрывает в сравнении с матрасом ортопедическим европейского образца. А дело-то все в том, что определение пользы ортопедического матраса сугубо индивидуально. Все зависит от конституции вашего тела и рекомендаций вашего ортопеда.

Камон (яп. 家紋, “знак семьи”) – своего рода фамильный герб, с древних времен использовавшийся в Японии для определения рода и социального положения. Также его называют мон(яп.紋, “знак”) или мондокоро(яп. 紋所, “знак места”).

Камон можно увидеть в буддийских и синтоистских храмах, на старых японских домах, на кимоно, одеваемых во время свадебных или похоронных церемоний, и т. д. На обложке паспорта гражданина Японии есть узор в виде цветка, это камон императорской семьи.

История камон началась примерно 1000 лет назад, тогда эти символы использовались как украшение домашней утвари в домах аристократов. Таким образом, постепенно эти узоры стали представлять что-то вроде эмблемы рода. Во время войн, для того, чтобы различать противников и союзников, и чтобы обратить внимание на себя, самураи стали наносить узоры на флаги, доспехи, щиты, катаны. После окончания крупной войны, примерно в 1600 году, камон стали использовать не только самураи, но и другие слои населения, дизайн камон стал стремительно развиваться.

Прототипов “фамильных гербов” насчитывается 241, а вариаций около 20 000. Каждое из изображений имеет свой источник, свою причину возникновения, что и призван выражать узор. В настоящее время камон продолжает развиваться, существуют люди, специализирующиеся на создании этих узоров. Дизайн камон изменялся в течении многих сотен лет в японской среде и под влиянием японского образа мысли.

Золотые рыбки в телефонных будках Японии. Арт-проект Goldfish phone boot aquariums от дизайн-группы Kingyobu

Японские студенты решили превратить вышедшие из использования городские телефонные будки в аквариумы, в которых плавают золотые рыбки.

С появлением мобильных телефонов обычные городские телефоны становятся ненужным раритетом, поэтому старые телефонные будки давно уже исчезли с наших улиц. Однако, в некоторых странах будки общественных телефонов все–таки сохранились и, как ни странно, есть они даже в Японии.

С тех пор, как у всех японцев появились мобильные телефоны, общественные телефоны вышли из употребления, став просто частью городского пейзажа. Японские студенты из Киотского Университета искусства и дизайна решили приукрасить этот пейзаж с помощью золотых рыбок, и теперь улицы города Осака украшают вот такие инсталляции.

Студенты японского города Осака решили дать новую жизнь старым телефонным будкам. Теперь в них плавают стайки симпатичных золотых рыбок. Просто невозможно равнодушно пройти мимо–такого импровизированного аквариума. Оригинальный городской декор привлекает не только любопытных туристов, но и местных жителей.

Такое коллективное искусство заключается в повторном использование телефонных будок в качестве аквариумов для золотых рыбок.

Коллектив студентов, чье название Kingyobu, состоит из пяти представителей Университета искусств Киото и студентов с факультета дизайна, все жители региона Кансай, которые взяли на себя инициативу установить боксы с золотыми рыбками в нескольких телефонных кабинах Осаки, представив все это в форме оригинального уличного арт-проекта, он же японская инсталляция, он же перфоманс под названием Goldfish phone boot aquariums.

В Японии золотая рыбка имеет большое символическое значение. Считается, что она приносит счастье, процветание и удачу. Таким образом, в результате эти публичные аквариумы дали городу что-то магическое, что, несомненно, бросается в глаза пешеходов. Эти рыбки как-будто появились прямиком из народной японской сказки. Мерцающие водные существа — изюминка, сделавшая этот проект еще более привлекательным.

Кстати, со стороны может показаться, что Goldfish phone boot aquariums это инсталляция-иллюзия. Якобы рыбки плавают внутри заполненных водой прозрачных стенок телефонной будки, и таксофон работает в обычном режиме. Но так лишь кажется. Все по-настоящему. А указанный арт-проект является частью праздника под названием Canvas Project art festival.

Заточка японских ножей

Видео в котором президент компании MASAHIRO — Кодзи Хаттори (Koji Hattori) — подробно демонстрирует процесс правильной заточки кухонных ножей на японских водных камнях. В мастерклассе подробно рассказывается о том, как затачивать обычные ножи европейского типа и традиционные японские ножи со скошенным лезвием: